The Band - 1971 - Cahoots

Debido a mi enfermiza admiración soy incapaz de ver álbum malo de los canadiense-americanos aunque sí reconocer una publicación menor en comparativa con publicado hasta la fecha. Por ello, los vientos de cambio (que ya se atisbaban en Stage Fright) terminaron de barrer la meticulosidad después de la santísima trinidad en el nuevo álbum de The Band, Cahoots. Y es que alcanzada la excelencia era previsible que antes o después comenzase un cierto bajón musical producido en gran medida por toda esa vorágine que el éxito les había provocado haciendo mella en el resultado final de sus grabaciones. Pero como The Band es la banda por antonomasia nada como desgranar su Confabulación del '71.

You sure do miss the silence when it's gone

Cahoots cuarto álbum de The Band, fue grabado en los Bearsville Sound Studio de Woodstock propiedad de Albert Grossman y publicado en septiembre de 1971 con Capitol. Con un sonido más estridente y acelerado en comparación con la delicadeza de sus predecesores, supondría un cambio en la tendencia musical de la banda incorporando algunas novedades como una sección de vientos en 'Life Is A Carnival' o estructuras y arreglos más complejos. Según mencionaría Garth Hudson "los sonidos suaves que habían funcionado en los primeros elepés no encajaban con el estilo general de Cahoots" endureciendo su propuesta. La portada de este Cahoots fue dibujada por el ilustrador neoyorkino Gilbert Stone y la carátula trasera con la curiosa foto de unos somnolientos The Band es obra de Richard Avedon.

 

Las restrictivas sesiones de grabación que exigía un estudio para una banda no acostumbrada a la disciplina que ello requería, culminaría en sesiones tensas en medio de un ambiente enrarecido. En esa atmósfera crispada solo Robertson, Danko y Hudson parecían estar centrados ante ese caos de alcohol, drogas y carreras suicidas de coches que les rodeaba. Ello ayudaría a que el protagonismo compositivo de Robertson siguiese in crescendo y como ya ocurriría en Stage Fright copase toda la cara B del LP de manera exclusiva. Cuando antes todo estaba más repartido reinando la camaradería, ahora era el guitarrista quien asumía la responsabilidad compositiva y tiraba o arrastraba al resto de la banda. Si bien no con demasiada suerte, ya que los problemas de Richard Manuel con el alcohol derivarían en el cese de su actividad como compositor pese al apoyo e insistencia de Robbie Robertson.
Tiempo después Robertson afirmaría que se sentía desilusionado y desmotivado para componer, lo que explica mejor si cabe el bajón de calidad en la mayoría de las canciones.

El álbum se abre con 'Life Is A Carnival' lo que supone un cambio de registro bastante palpable respecto a lo que nos tenían acostumbrados. Con un título tan tropical y la incursión de una potente sección de vientos a cargo del reputado músico de New Orleans Allen Toussaint volverían a sus días de Ronnie Hawkins & The Hawks. De ritmos funkies 'Life Is A Carnival' sería la única aportación de Rick Danko y Levon Helm en Cahoots. Con una música tan desenfadada como su letra sobre la vida callejera la canción sería el primer y único single del plástico, y la única canción incluida en The Last Waltz.
Después de la diversión llegaba la balada folkie 'When I Paint My Masterpiece' cedida por Bob Dylan. Sería el último tema dylaniano que grabaría The Band y su temática versa sobre un americano que pasea fascinado por Europa pero ansioso de volver a la tierra de la Coca-Cola. Con Helm a la voz y su entrañable mandolina destaca el incisivo acordeón de Hudson.
Tras los dos grandes cortes iniciales se inicia el feudo compositivo de Robertson con 'Last Of The Blacksmiths' con un chirriante órgano de un omnipresente Garth Hudson y los primeros retazos sobre la América perdida a la que tanto le gustaba recurrir a Robbie y que prosigue surcando en 'Where Do We Go From Here?' a la voz del gran Danko.
Y cerrando la primera parte de Cahoots, '4% Pantomime' colaboración Robertson/Van Morrison. Esta sería la única vez en la que Robertson compartiría tareas compositivas con alguien ajeno a la banda. El tema incorpora elementos blues e incluso soul a la voz del propio Van de Man y un portentoso Richard Manuel. En medio de un ambiente desinhibido y una partida de póker, y con un título que hace referencia a la diferencia de graduación entre el Johnny Walker Negro y el Johnny Walker Rojo Morrison se dirige a Manuel como Richard y éste al músico irlandés como Belfast Cowboy rebautizándolo desde ese preciso instante.

La segunda parte del elepé comienza con las notas orientales de 'Shoot Out In Chinatown' y el retrato de la problemática del barrio chino con Levon, Danko y Manuel compartiendo estrofas. Le sigue una insulsa 'The Moon Struck One' que inicialmente estaba pensada para que Gil Evans le diese un tratamiento similar a lo que hizo Toussaint con 'Life Is A Carnival', pero problemas de agenda impidieron dar vida a tal idea. Así que finalmente se recurriría al bueno de Hudson y la incursión del solo de órgano.
Con Danko a la voz turno para 'Thinkin' Out Loud' y ese intercambio de instrumentos al que tanto les gustaba recurrir en ciertos momentos a The Band con Robertson a la acústica, Hudson al piano, Levon al bajo y Manuel a la batería y la slide. De la letra de 'Smoke Signal' saldría el título del LP ("When they're torn out by the roots/ young brothers join in cahoots/ to send a smoke signal"). La divertida 'Volcano' y su carácter lujurioso nos deja una gran interpretación de Danko y otro buen solo de Hudson, esta vez al saxo. Y para despedir este Cahoots 'The River Hymn' con otra novedad, Libbie Titus, compañera de Helm, pondría la nota femenina a los coros de una canción de The Band por primera vez.
Entre los temas añadidos de la remasterización de Cahoots que salió en el 2000 cabe resaltar su versión del 'Don't Do It' tan habitual en sus directos y con el que cerrarían The Last Waltz o 'Bessie Smith' co-escrita por Robertson y Danko.

Ni a nivel comercial ni de crítica llegó a funcionar completamente, considerándose un LP menos sólido y un esfuerzo menor en la discografía de la banda en comparación con sus mastodónticas obras previas que los habían encumbrado como estrellas del rock. Pero para nada estamos ante un mal disco ni mucho menos sino más bien que las expectativas tan elevadas que generaron con anterioridad serían difíciles de igualar.
Por ello y a pesar del hastío que parecía adueñarse del grupo, volverían a la carretera antes de la publicación de Cahoots recorriendo Europa en mayo del '71 (Suecia, Alemania, Francia o UK colgando el sold out en el Royal Albert Hall donde cerrarían el tour) cosechando buenas críticas así como US y Canadá después de la publicación del disco.

The Band:

 

 

Robbie Robertson - Guitar & Vocals

Garth Hudson - Organ, Piano, Tenor & Baritone Saxophone  
Rick Danko - Bass, Vocals & Violin
Levon Helm - Drums, Vocals, & Mandolin
Richard Manuel - Piano, Drums, Organ, Vocals & Slide Guitar

Track List: 

 

Side 1

 

1 - Life Is A Carnival (Helm/Robertson/Danko)

2 - When I Paint My Masterpiece (Bob Dylan)

3 - Last Of The Blacksmiths (Robertson)

4 - Where Do We Go From Here? (Robertson)

5 - 4% Pantomime (Robertson/Van Morrison)

 

Side 2

 

1 - Shoot Out In Chinatown (Robertson)

2 - The Moon Struck One (Robertson)

3 - Thinkin' Out Loud (Robertson)

4 - Smoke Signal (Robertson)

5 - Volcano (Robertson)
6 - The River Hymn (Robertson)

Blue Cheer - 1968 - Outsideinside

Estas últimas semanas he estado repasando alguna de las bandas consideradas pioneras de los sonidos más pesados al tiempo que un nombre bombardeaba constantemente mi subconsciente no pudiendo reprimir mis deseos de escuchar alguno de sus discos. Estoy hablando de la banda más ruidosa del planeta, de los estadounidenses Blue Cheer. Por ello he rescatado ese Vincebus Eruption del que ya hice mi reseña aquí, y dando un paso más, me he adentrado en su Outsideinside de 1968 con el que hoy me estoy desengrasando después de una semana un poco movidita. Pero de vuelta a la carga nada mejor que un poco de heavy psicodélico de los Blue Cheer para cargar pilas y volver a la senda.

Portada diseñada por su mánager y conocido hell angel Gut.

Con su característica muralla de amplificadores, los ensordecedores riffs de Stephens y Peterson y ese martillo llamado Whaley y después del distorsionado Vincebus Eruption publicarían su segundo plástico Outsideinside. Grabado tanto en exterior como interior, de ahí su curioso título, y publicado por Phillips Records en agosto del '68 aprovechando el tirón de esa primera grabación con la que conseguirían un moderado éxito, Outsideinside reafirmaría a Blue Cheer como los más ruidosos.
Con Abe 'Voco' Kesh como productor y un afamado Eddie Kramer como ingeniero, unos agresivos y estridentes Blue Cheer repetirían la fórmula de Vincebus Eruption pero profundizando en sus bases psicodélicas con una mayor creatividad musical y para mi gusto alcanzando su punto más álgido en una discografía venidera llena de altibajos y pérdida de identidad por momentos, pero altamente recomendada para los que disfrutamos de eso que algunos llaman ruido.

El lacerante blues rock de Outsideinside supondría el culmen de la banda, jugando y compartiendo cartel con bandas como sus inspiradores Cream y The Jimi Hendrix Experience u otros como The Doors o Jefferson Airplane.  Pero como se suele decir: las alegrías duran poco en la casa del pobre y así tras la publicación del LP, un insustituible Leigh Stephens dejaría la banda cansado de las intensas giras y del poderoso muro de sonido, lo que supondría un duro revés al que la banda le costaría sobreponerse.


Pero vayamos por un poco de hard y blues pesado... Si en su primera publicación de apenas 6 temas reinaban por igual los covers y las composiciones propias, en este segundo la banda desarrolla su faceta compositiva puliendo un poco, y cuando digo poco es poco, su distorsionado y crudo sonido.
El LP se abre con la heavy psicodélico 'Feathers From Your Tree' con piano incluido y la crudeza instrumental que nos guiara por el resto de las pistas. Momento bluesy ácido con la increíble 'Sun Cicle' en la que la batalla de riffs de Stephens, con wah-wah incluído, y un excelso Peterson al bajo la convierten por justicia en una de mis preferidas. Con 'Just A Little Bit' llegamos a uno de los temas más rudos y pesados del álbum, y de las joyas del mismo por su salvaje instrumentación. Dame distorsión y verás con qué cara de tonto me quedo, pues seguimos con los aires Hendrix de 'Gypsy Ball' antes de cerrar la cara A de Outsideinside con la agresividad y potencia de 'Come Back Get It' con una guitarra tan hiriente como su desenfadada letra.

  
La cara B comienza con el momento kit kat, con el cachondo y divertido cover del 'Satisfaction'. Se hace difícil compararlo con la original de The Rolling Stones y aunque para muchos sea una tortura yo me parto con su guasona adaptación. El otro cover sería el no menos divertido clásico revisado de Booker T. Jones 'The Hunter' para reivindicar sus raíces bluesies. Esta sí que luce con sus tremendos riffs y sus casi melódicos interludios alzándose como uno de los mejores cortes del LP. Seguimos con la instrumental 'Magnolia Caboose Babyfinger' donde vuelve a erigirse el aroma hendrixiano. Y como colofón a tremenda descarga de decibelios otro hit: 'Babylon' de cortantes ritmos y un Whaley espídico secundando a la suave guitarra de Stephens.

La discordante mentalidad de sus integrantes y su estridente instrumentación significaron un hilo rupturista de esa escena hippie del Frisco y un paso hacia la transición que nos depararían los '70. De ahí a esas composiciones adelantadas a su época y precursoras del punk, el grunge o el stoner y que sin duda les reafirma, visto en perspectiva, como los mayores exponentes del actual heavy metal.

Con las pilas a full!!!

Blue Cheer:

 

Dickie Peterson - Vocals & Bass

Leigh Stephens - Guitar

Paul Whaley - Drums

Track Listing:

Side 1:

1 - Feathers From Your Tree (Peterson, Stephens, Peter Wagner)

2 - Sun Cycle (Peterson, Stephens, Wagner)

3 - Just A Little Bit (Peterson)
4 - Gypsy Ball (Peterson, Stephens)
5 - Come Band Get It (Peterson, Stephens, Wagner)

Side 2:

1 - Satisfaction (Mick Jagger, Keith Richards)

2 - The Hunter (Booker T. Jones)

3 - Magnolia Caboose Babyfinger (Peterson, Stephens)
4 - Babylon (Peterson)

Creedence Clearwater Revival - 1969 - Green River

De regreso a mi idílico 1969 donde todo parecía casi maravilloso, prosigo la apertura de la caja de las esencias en lo referente a Creedence Clearwater Revival con su segunda publicación del año y ya tercer disco de los pantanosos californianos después de su homónimo debut del '68 y ese extraordinario Bayou Country. Con el pequeño de los Fogerty desbocado compositivamente, la banda continuaba lanzada al estrellato con singles de éxito y discos de oro a ritmo de vértigo. Con lo que hoy me dejo llevar por las pantanosas aguas del río verde de la Creedence en busca del elixir del rock americano.

Oh! Lord, I'm stuck with Creedence again

Eran buenos tiempos para la banda y así, unos meses después del bombazo de Bayou Country llegaba este Green River con el que siguieron incrementando su enorme popularidad y saciando a unos seguidores ávidos de consumir enfermizamente nuevo material del grupo. Con Green River CCR alcanzaría su madurez y su sonido clásico e inconfundible. Alejándose de las recurrentes y  largas improvisaciones de sus discos anteriores e incidiendo en un formato más directo, sin adornos ni artificios, perfeccionarían definitivamente el conocido como sonido creedence.

Publicado en agosto del '69, Green River (Fantasy Records) sería el segundo disco del año, pero no el último. Con un John Fogerty más maduro compositiva y vocalmente y extendiendo su control hasta labores de productor y arreglista, hace que todo suene tan sencillo como fantástico.

Nuevamente el carácter rural y de banda del pueblo la hallamos en ese gusto por mezclarse con la naturaleza en sus portadas. Lo mismo que con su amalgama de influencias que pasan por el blues, el rock, el folk o el country para converger en su particular swamp rock sureño o lo que hoy en día conocemos como americana o roots rock.

Esa madurez ya mencionada se asienta en la rabiosa e inconfundible forma de cantar de John que adquiere su máxima lírica para consumarse como la esencia del rock'n'roll.

Green River destaca por su corta duración (menos de 30') con canciones que apenas sobrepasan los 3 minutos y que hacen que se pase en un abrir y cerrar de ojos entre sus pegadizos ritmos.

Debido a un Fogerty bucólico y realista se respira un cierto aire melancólico y una visión un tanto desgarradora del mundo sobrevolando unos temas que contrastan directamente con el sonido alegre de los californianos.

El álbum arranca motores con 'Green River', single extraído del mismo y paradigma de la plenitud de la Creedence con Fogerty rayando lo sublime y ese riff que te pone los pelos de punta.

Le sigue una de las que siempre me ha dejado un regustillo muy especial ese "Com, commotion, git, git, git, gone" que se te pegará como una lapa, que fue la cara B del single Green River. La temática caótica de 'Commotion' junto a sus agresivos y constantes cambios de ritmo y sus hirientes y psicodélicas guitarras la hacen una de mis preferidas.

Con la sombra en la espalda llegamos a 'Tombstone Shadow' un medio tiempo bluesy.

La hermosa balada 'Wrote A Song For Everyone' que daría título al último lanzamiento de Fogerty en solitario hace ya dos años cierra la primera parte del plástico con su protesta socio-política.

La desgarradora 'Bad Moon Rising' que ya había sido publicado en marzo con 'Lodi' como cara B y bastante éxito todo sea dicho de paso, abre la cara B del vinilo. Tema muy pegadizo y hit entre hits donde la visión fatídica del cataclismo social al que estamos abocados contrasta nuevamente con las alegres aires que desprende instrumentalmente.

Uno de los éxitos del elepé sería la pausada 'Lodi'. Canción con una curiosa historia detrás puesto que John uso el nombre de esta ciudad californiana a más de 100 km de su El Cerrito natal por el hecho de que tenía un nombre sonoro muy bueno sin tan siquiera conocerla o haber actuado allí. La letra refleja la desazón y miedo a quedarse a medio camino del éxito si bien por fortuna de Fogerty y la Creedence ese tren ya había partido haciendo una serie de exitosas paradas en forma de singles tras la publicación de 'Proud Mary'.

Y si de trenes va la cosa 'Cross-Tie Walker' suena a parada obligada con sus aires country.

Momento oscuro con los sonidos del blues ácido 'Sinister Purpose'.

Como de costumbre no podía faltar la revisión de un grande, con el cover de Ray Charles 'The Night Time Is The Right Time' para cerrar otro disco que parece un grandes éxitos.

La banda seguiría on the road tocando por todos lados con mucho éxito como en el Atlanta Pop Festival o Woodstock donde actuarían a horas intempestivas por los excesos de The Grateful Dead provocando tal enfado en John Fogerty que prohibiría su incursión en la película del mismo alegando lo desolador de un show donde tan solo quedaban cuerpos deambulando... Fuera como fuese, Creedence seguiría acrecentando su popularidad y conquistando el mundo y solo unos meses después y antes de cerrar el 1969 publicarían un nuevo LP Willy And The Poorboys, para constatar que a pesar de una corta trayectoria dejarían tras de sí, un larguísimo legado a la altura de muy pocos.

Creedence Clearwater Revival:

John Fogerty - Lead Guitar & Vocals

Tom Fogerty - Rhythm Guitar

Stu Cook - Bass

Doug Clifford - Drums

Track Listing:

Side One:

1 - Green River

2 - Commotion

3 - Tombstone Shadow
4 - Wrote a Song for Everyone

Side Two:

1 - Band Moon Rising

2 - Lodi

3 - Cross-Tie Walker

4 - Sinister Purpose
5 - The Night Time Is The Right Time

Deep Purple - 1972 - Machine Head

Echando la vista atrás recuerdo como si fuera ayer cuando me hice con mi copia de uno de los primeros elepés que edificaron mi colección de vinilos. En una pequeña tienda de esas en las que uno puede perderse toda una tarde rebuscando entre vinilo y vinilo encontré un ya bastante castigado Machine Head pero que aún hoy, y un poco más molido si cabe, sigue sonando increíblemente bien por unos surcos cada vez más desgastados. Sin ser un experto Purple, sí que me apasiona especialmente su primera etapa dentro de sus múltiples variaciones de formación que ha experimentado a lo largo de sus más de 40 años de historia y por ello hoy me lanzo con el disco más imprescindible en su colección y que a la postre significaría el germen del grandilocuente Made In Japan, definitiva obra maestra en vivo y clímax absoluto del rock.
Además, junto al Paranoid de Black Sabbath y el IV de Led Zeppelin este Machine Head que suena en el blog, forma la tripleta clásica o la santísima trinidad del hard rock y posterior heavy metal, aunque yo a esto le pondría algún pero. 

They got music in your solar system

Los inicios de Deep Purple fueron psicodélicos y progresivos con discos como Shades of Deep Purple o Book of Talesyen para poco a poco (y en gran parte tras la inclusión de Ian Gillan y Roger Glover procedentes de Episode Six) evolucionar su sonido hacia vertientes hardrockeras o un incipiente heavy metal. También Ritchie Blackmore, con un mayor protagonismo, tendría que ver lo suyo en ese sonido más crudo de la banda que hasta entonces estaba a merced de los deseos de John Lord dando comienzo a la inigualable encarnación MK II y formación clásica de los británicos con la tripleta In Rock (1970), Fireball (1971) y el que hoy nos ocupa, Machine Head con en el que alcanzarían su definitiva solidez como conjunto. Con un Gillan en su máxima plenitud regalándonos momentos vocales de semidiós, lleno de poderío y jugando a su antojo con sus cuerdas vocales. Blackmore por fin se liberaría para esta grabación, legando solos y riffs para el recuerdo como solo él podía y coronándose en el olimpo de los guitarristas. Un implacable Glover sigue por sus fueros demostrando su grandeza a la sombra, unida al de un enérgico Paice reivindicándose a base de crudos golpes. Y como no, y mira que yo no soy muy de Hammond..., hay que postrarse ante el increíblemente magistral Lord que traza el color a unos temas que lo ensalzan como un icono de leyenda.

Machine Head, el álbum con el conseguirían sacarse la espinita del pequeño fiasco que supuso Fireball, fue grabado a finales de 1971 en el estudio móvil de los Rolling Stones. El camión tuvo que aparcarse en el Gran Hotel de Montreaux ante la imposibilidad de hacerlo en el Casino, como estaba planificado en un principio, debido al incendio que se produjo durante un concierto de Frank Zappa cuando un colgado lanzó una bengala contra el techo del local reduciéndolo a cenizas. A pesar de una tumultuosa grabación y todas las vicisitudes que tuvieron que sortear Deep Purple parieron uno de los discos más esenciales de la historia del rock.
Este Machine Head sería su sexto disco de estudio y su mayor éxito comercial. Uno de los discos más redondos que puede haber, un álbum compacto y perfecto de principio a fin y el punto culminante de una banda que ya venía lanzada con sus trabajos previos. 

Un excelso LP que se inicia con esa maravilla titulada 'Highway Star' a máxima velocidad para ponerse palote, tónica habitual también en sus discos predecesores esos inicios a todo trapo. Con una gran armonía vocal resulta increíble el duelo de virtuosos entre Lord y Blackmore quien nos deja uno de los solos más clásicos del rock.
Lo siguiente es un medio tiempo bluesy, 'Maybe I'm a Leo' un tema vacilón con Gillan brillando por su faceta vocal y un Paice pletórico a las baquetas para bajar un poco las pulsaciones.
La intro de Paice nos introduce en la contundente 'Pictures of Home' (la preferida de Lord) con espacios para lucimiento de toda la banda. La canción basaría su letra en la paranoica visión de Gillan sobre la hepatitis que sufrió por aquellos días. Y única canción del disco que no tocarían en la gira del '72 por la negativa de Blackmore, si bien ya con Steve Morse sería la canción con la que abrirían el Rapture Of The Deep Tour dos décadas después.
Para cerrar la cara A 'Never Before' con una parte lenta y otra más animada con retazos casi funkies donde Lord destaca nuevamente su dominio. La banda se reparte el protagonismo en el tema que sería elegido como primer single del LP. La cara B sería esa fabulosa balada 'When A Blind Man Cries' descarte del disco por imposición de Mr. Blackmore.

Pero si la primera parte del elepé es buena, la cara B del Machine Head es brutal. El primer hitazo es la atemporal, brillante, reconocible y con ese riff inicial llamado 'Smoke on the Water'. Blackmore conseguiría componer no solo uno de los riffs más reconocibles del hard rock sino del rock en general y clásico de la música. El tema tiene su inspiración en el incendio del Casino de Montreaux y al que habían sido invitados. El humo que a la mañana siguiente flotaba sobre un lago cercano daría pie a la letra de la canción cuando Glover pasaría en un papel la frase smoke on the water a Gillan para que diese vida a la historia que habían vivido unas horas antes. La letra relata todo lo acontecido: la bengala, la búsqueda de un nuevo emplazamiento para grabar y a 'Funky Claude' sacando a los niños del casino en llamas.

Seguimos de temazos con la mastodóntica muestra de virtuosismo 'Lazy'. Tema mayormente instrumental donde Gillan aparece con su armónica y Lord vuelve a regalar uno de sus grandes momentos. Es el tema más largo del disco con un gran regustillo bluesy pero que discurre con tanta fluidez que casi se podría catalogar de jam.
Y ya para cerrar el disco ni más ni menos que la contundente 'Space Truckin'' con su gran parte rítmica e instrumentación y Lord doblando con su órgano el riff de Blackmore. La letra es bastante surrealista abordando unos viajes espaciales un tanto ácidos. Una canción donde era bastante habitual que se explayasen hasta la media hora en sus actuaciones en directo.

Alcanzada la cima, el afán de protagonismo, los egos enfrentados y la disparidad de opiniones respecto al rumbo musical que debía seguir la banda provocaría su fragmentación con la inestimable ayuda de un lunático Blackmore. Así, después del imprescindible Made In Japan del '73 y posiblemente el disco en directo por excelencia del rock, Gillan y Glover, los dos últimos en llegar y que tanto tenían que ver en el giro heavy de la banda, abandonaron a sus compañeros de Deep Purple no sin antes dejarnos el insulso Who Do We Think We Are. El primero cansado y enemistado con Blackmore y Glover despedido por un despechado guitarrista que quería comenzar un nuevo proyecto junto a Phil Lynott y que puso como condición para quedarse la salida del bajista. Cuenta la leyenda urbana que Paice consideraba que Lynott todavía no era un gran bajista y por ello insistiría a un Blackmore al que le encantaba la forma de cantar de Phil Lynott, en desistir en la idea de formar Baby Face, el nombre del proyecto, y continuar con los púrpura.

Deep Purple:

 

Ian Gillan - Vocals & Harmónica

Ritchie Blackmore - Guitars

Roger Glover - Bass

Jon Lord - Keyboards

Ian Paice - Drums & Percussion

Track listing:

Side One:

1 - Highway Star

2 - Maybe I'm a Leo

3 - Pictures of Home

4 - Never Before

Side Two:

1 - Smoke on the Water

2 - Lazy

3 - Space Truckin'